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La pratique culturelle, une autre modalité du « être ensemble »

« Tout progrès culturel est fonction d’une coalition entre les cultures« ¹.

L’anthropologue et ethnologue Claude Lévi-Strauss l’a bien mis en évidence dans ses écrits. « Il y a simultanément à l’œuvre, dans les sociétés humaines, des forces travaillant dans des directions opposées : les unes tendant au maintien et même à l’accentuation des particularismes ; les autres agissant dans le sens de la convergence et de l’affinité » (ibid.). Ce mouvement de balancier s’observe dans nos pratiques culturelles aussi. Nous nous délectons de la contemplation d’une œuvre dans un rapport individuel et personnel avec l’œuvre d’art que nous avons devant nous mais nous avons aussi le besoin de nous rencontrer et de parler de l’œuvre avec l’autre ou les autres car l’œuvre agit comme un médiateur culturel et le discours que construisent ensemble plusieurs personnes autour d’une œuvre les construisent eux-mêmes en tant qu’individus. Depuis quelques années, notre société s’interroge sur l’héritage des années 80 et 90 et des phénomènes que l’on rattache volontiers à ces décades (déclin des idéologies politiques, diffusion du libéralisme économique, montée en puissance de l’internet et des nouvelles technologies, etc.). Nos modèles économiques libéraux, que certains croyaient gravés dans le marbre, sont battus en brèche par les altermondialistes qui prônent une nouvelle donne et une déconsommation soucieuse de préserver un environnement déjà bien écorné. Le phénomène des réseaux sociaux souligne ce mouvement vers la convergence et l’affinité dont nous parle Claude Lévi-Strauss. Les gens, vous, moi et les autres, ont le besoin de se retrouver autour de projets, d’expériences et d’émotions communes. Les institutions et valeurs ancestrales se sont effondrées (religion, mariage, patrie, travail) ou se remodèlent au gré des aléas de l’histoire. Il n’en reste pas moins que le public ne se contente plus des schémas existants et demande d’autres expériences. Dans le domaine de l’art contemporain et de l’art conceptuel, les performances sont monnaie courante depuis les futuristes italiens. A travers leurs œuvres des artistes comme Marina Abramović et Ulay ont ainsi exploré les rapports de pouvoir et de dépendance dans la relation triangulaire avec le public.

La création artistique collective

Avec l’émergence des nouvelles technologies, on a assisté depuis le début des années 2000 à un décloisonnement des arts classiques. Au sein d’un même spectacle, le théâtre s’allie à la danse et aux arts circassiens. La musique jouée sur des instruments peut se mêler à des bandes son préenregistrées ou générées par ordinateur, le réel s’associe au virtuel. D’où une dimension de création collective qui appelle l’usage de nouveaux outils de conception. L’exemple des œuvres poly-artistiques interactives est à ce titre exemplaire. C’est ce concept que mettent en œuvre des créations telles que Topologies de l’instant et Seule avec loup des chorégraphes Nicole et Norbert Corsino ², Schlag ! de Roland Auzet, le musée virtuel de la photographie contemporaine de Ahad Yari Rad, ou encore Waves d’Andrea Cera et Hervé Robbe. Les spectateurs sont amenés à y jouer un rôle plus actif, devenant en quelque sorte des specta(c)teurs — spectateurs-acteurs de l’œuvre interactive. L’outil logiciel est mis au service de la créativité des artistes.³

La musique n’est pas en reste. Ainsi, le Traffic Quintet est une formation inédite, un quintette à cordes dont les spectacles se nourrissent d’échanges entre la musique et l’art contemporain – notamment de projections vidéos. Des expériences croisées qui revisitent le champ de la musique de film et de la musique contemporaine. Les notes de sa dernière création, Divine Féminin, se font l’écho des passions incarnées par les plus grandes actrices. L’ensemble à cordes, fondé par la violoniste Dominique Lemonnier, explore un nouveau terrain d’expérimentation grâce à la musique de film. Le vidéaste Ange Leccia et le compositeur Alexandre Desplat, remarqué pour ses nombreuses partitions pour le cinéma (BO pour des films de Jacques Audiard mais aussi pour The Queen ou Benjamin Button, etc.) se sont ainsi joints à l’ensemble. Dans leur projet Divine féminin⁴, créé en 2009 au festival Musica de Strasbourg, l’ensemble joue des transcriptions de Pascal Dusapin, Alexandre Desplat, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith, Alex North, Philip Glass, Air, Gabriel Yared sur une création vidéo d’Ange Leccia où ce dernier revisite le thème du féminin en rendant hommage à l’artiste plasticien Jacques Monory, très inspiré par le film noir américain. Ensemble, ils réinterprètent avec subtilité la figure féminine de Médée à Marylin. La Fondation d’entreprise Hermès soutient Traffic Quintet pour l’originalité de sa démarche et sa quête de diversité artistique.

Les arts communautaires : des pratiques de résistance artistique

Autre courant intéressant à regarder, l’art communautaire est le fait d’artistes, notamment d’Amérique du Nord qui choisissent d’investir certaines communautés ou collectivités stigmatisées et marginalisées afin de créer, en collaboration étroite avec les membres de celle-ci, des œuvres collectives. Ces pratiques artistiques, appelées arts communautaires, poursuivent un double objectif : explorer, par le biais de la création, la souffrance individuelle et collective engendrée par les rapports sociaux de domination et contester ces rapports de domination au moyen d’œuvres à teneur critique. Ce type de résistance contrevient au principe moderne de l’espace public et de l’action politique puisqu’il conteste la stricte séparation entre le privé et le public, qu’il met de l’avant des expériences singulières et qu’il propose d’autres formes de délibération politique.⁵

Les flashmobs : quand l’individu a rendez-vous avec la pratique culturelle collective

Un ou une flash mob ou flashmob (de l’expression anglaise identique, qu’on pourrait traduire par « foule éclair » ou « mobilisation éclair »), c’est la convergence rapide d’individus sans lien préalable dans un lieu public pour y effectuer des actions convenues d’avance, suivie d’une disparition tout aussi rapide. Le rassemblement étant généralement organisé au moyen d’Internet, les participants ne se connaissent pas pour la plupart. La première flash mob française a eu lieu à Paris le 28 août 2003. Une centaine de personnes se sont retrouvées dans le hall du musée du Louvre, ont marché rapidement en parlant au téléphone. Elles se sont immobilisées soudainement, ont applaudi quelque chose en l’air puis se sont dispersées. Elle a été renouvelée un an plus tard : 300 personnes y ont participé. De nombreuses flashmobs ont eu lieu depuis dans la plupart des grandes villes françaises. La danse a aussi tout de suite vu que les flashmobs pouvaient contribuer à mobiliser le public autour de projets chorégraphiques simples. A la Biennale de la danse de Lyon, le 25 septembre dernier, une chorégraphie collective a surgi par surprise dans la ville de Lyon sur une idée de Anne-Décoret Ahiha et Marie-Estelle Paillas.⁶

L’enjeu pour les entreprises

La mobilisation d’individus autour d’un projet éphémère n’ayant pas pour vocation de se reproduire dans des conditions identiques est un outil de communication tentant pour des responsables marketing. Et ils s’en sont déjà saisis. Ainsi, une flashmob à but publicitaire a eu lieu le 9 octobre 2010, à Paris sur le parvis de Notre-Dame à l’initiative de La Mutuelle Générale. On a vu aussi une centaine de danseurs se rassembler dans un magasin de sport Décathlon à Bailleul, dans le Nord et suite au buzz que la vidéo a engendrée, cette flashmob a donné envie aux différents centres commerciaux d’en réaliser. En effet, en l’espace de six mois, près de cent flash mobs, en France mais aussi à l’étranger, ont été réalisés selon le même principe. Le 17 mars 2011, Vittel a organisé une flashmob en direct depuis Bruxelles et Anvers pour le lancement de leur nouvelle campagne Move by Vittel. Ce phénomène souligne la nécessité pour les entreprises d’adopter un discours plus incarné, où l’individu n’est plus un consommateur passif ou un employé couleur passe-muraille mais une personne qui se construit au travers d’un projet collectif, parfois ludique et culturel, où il a un rôle actif et volontaire. C’est une forme de résistance à l’immobilisme et à la passivité auxquels peut aussi conduire un individualisme mal régulé. Car après tout, « l‘exclusive fatalité, l’unique tare qui puissent affliger un groupe humain et l’empêcher de réaliser pleinement sa nature, c’est d’être seul.¹»

Emmanuelle Serrano

Bibliographie et sites à consulter

1. Race et Histoire écrit par Claude Lévi-Strauss – UNESCO 1961

2. http://www.youtube.com/watch?v=7c2O3cabmDs&feature=related

3. http://www.openmask.org/Omk_app_corsino.html

4. http://www.youtube.com/watch?v=_7GepQ6CLqc&feature=related.

5. Les arts communautaires : des pratiques de résistance artistique interpellées par la souffrance sociale par Ève Lamoureux. Publié dans Amnis Revue de civilisation contemporaine Europes/Amériques. A consulter sur http://amnis.revues.org/314)

6. http://www.dailymotion.com/video/xez93j_flashmob-biennale-de-la-danse-lyon_creation

Par Artbis | POINTS DE VUE | 02/05/2011 15h03 | 570 vues | 0 commentaire

Visibilité paradoxale de l’art

Des paradoxes de l’art contemporain, celui de sa visibilité est peut-être le plus aigu. Sa surexposition croissante au sein d’une société animée par une volonté farouche de tout voir et de tout montrer pourrait bien frapper l’art d’invisibilité par excès de visibilité. En réduisant les œuvres d’arts visuels à l’écume de leurs apparences.
Sous le pouvoir hégémonique du voir, d’une pulsion dévorante de tout voir, et de tout convertir en images, l’œil est devenu l’organe sensible et réflexif majeur. C’est désormais par l’œil, armé d’une panoplie sans cesse plus sophistiquée d’appareils, que l’on perçoit et que l’on pense. Mais percevoir au moyen d’appareils de vision, qui sont de surcroît devenus indissociablement des appareils de production et de diffusion d’images, revient à ne plus voir le monde mais des images du monde. Cela revient à réduire le monde à des images, à rapporter les phénomènes et les événements à leur surface, au détriment de l’épaisseur des processus et des rapports qui les constituent et les animent.

Cette inflation contemporaine des images qui tend à aplatir le monde et les choses sur la surface de leurs apparences, et à imposer subrepticement des manières superficielles de voir, affecte infiniment plus l’art d’aujourd’hui que les autres productions visuelles. Alors que les œuvres ne se limitent jamais, et de moins en moins, à leurs simples apparences, elles sont, dans les lieux mêmes de leur exposition, menacées d’être réduites à de plates images, c’est-à-dire à des choses détachées de leurs processus de création.

Depuis les avant-gardes historiques, surtout depuis Marcel Duchamp, et plus généralement depuis la grande mutation de l’art d’un «régime représentatif» à un «régime esthétique» (Jacques Rancière), la part visuelle des œuvres s’est arrimée à une part processuelle de plus en plus forte. Désormais, les œuvres les plus matérielles débordent largement leur matérialité de choses visuelles, au profit de processus immatériels invisibles. La chose étant l’actualisation sensible de la partie processuelle et conceptuelle de l’œuvre.

Alors que dans le «régime représentatif» l’Académie soumettait les processus de création à un ensemble de normes à respecter, le «régime esthétique» de l’art les a entièrement ouverts: les normes ont fait place à des processus spécifiques à chaque œuvre singulière, créés avec elle et pour elle.
Tandis que les normes esthétiques ont été durant des siècles suivies par les artistes et largement partagées par les spectateurs, il en va différemment depuis le milieu du XIXe siècle, et surtout depuis les offensives de déconstruction résolument menées par les artistes du XXe siècle.

Aujourd’hui les spectateurs sont confrontés à des œuvres clivées par une indétermination entre leur choséité sensible, d’une part, et leurs processus et problématiques esthétiques, d’autre part. La rupture des anciens liens codifiés et forts entre la chose et son processus esthétique de production a instauré entre les deux faces des œuvres une discontinuité essentielle fondatrice du «régime esthétique» de l’art.
C’est à combler cette discontinuité inhérente aux œuvres contemporaines que s’emploient les galeristes, les conservateurs de musées et les commissaires d’expositions en diffusant des textes auprès des spectateurs, en rédigeant des cartels, en publiant des catalogues, en organisant des conférences, et, de plus en plus, en faisant appel à des médiateurs. Tous ces efforts visent en effet à tisser des médiations, à ménager au sein même des œuvres des passages désormais toujours atypiques pour relier l’aspect virtuel-processuel de la création à son actualisation dans les formes et matières sensibles des œuvres.

A cette tâche contribuent également les artistes eux-mêmes sous la forme d’interviews, ainsi que les critiques contraints d’adapter leurs postures aux modes d’être des œuvres contemporaines.
Il n’est pas rare qu’à l’occasion d’expositions, les artistes soient conviés à expliciter leur démarche. Lors de l’exposition «Traces du sacré», le Centre Pompidou a par exemple produit une série de courtes interviews vidéo d’artistes. Il a ainsi été demandé à «Jacques Lizène [de] s’expliquer sur son installation in situ», à «Jean-Jacques Lebel [de] décrypter sa sculpture», ou à «Gérard Garouste [de] décrypter son tableau», etc.
Expliquer, décrypter par des mots dans l’après-coup de l’œuvre, éclairer des problématiques, dévoiler des démarches toujours singulières, percer des idiosyncrasies artistiques: les mots viennent ainsi soutenir les œuvres, contribuer à leur compréhension et à la production de sens. Ils confèrent visibilité et épaisseur à l’œuvre en conduisant de la chose à son processus.

Cette situation aporétique d’un art qui reste obstinément invisible au sein même de sa surexposition est due au fait qu’il est essentiellement invisible pour les yeux. Non pas parce qu’il n’y aurait rien à voir, mais parce que l’on n’en voit pas l’essentiel: les concepts, les processus, les idées et les réflexions artistiques et extra artistiques qui en constituent le fondement, et qui ne sont accessibles que par les mots, les discours, les récits.

Le rôle de la critique s’en trouve ainsi amplement renouvelé. Il ne s’agit plus seulement de juger, d’apprécier les œuvres et le talent d’artistes au regard de normes implicitement admises, ou d’estimer la pertinence, la nature et la qualité des innovations et des ruptures formelles. Sous le «régime esthétique» de l’art, critiquer relève moins du jugement d’œuvres, que de la problématisation, que de la production de savoir sur elles. Critiquer consiste à expliciter ce qui, dans chaque chose singulière, aussi inattendue soit-elle, fait art.

A l’inverse de la critique qui juge de la valeur esthétique des œuvres en fonction de critères, cette critique sophistique fait, par les mots, être «art» des productions d’artistes: elle les féconde en art. Dans le «régime esthétique» de l’art, ce type de critique est vital. Mais fait cruellement défaut.

André Rouillé

Par Artbis | POINTS DE VUE | 30/11/2010 18h08 | 654 vues | 0 commentaire

Enrichir la vision de l’entreprise

Art, entreprise et créativité

Même s’il faut se garder de faire des amalgames, l’entreprise, comme l’artiste, crée et prend des risques en le faisant. Cette parenté d’action, si ce n’est de finalité, favorise le rapprochement de deux univers qui peuvent s’enrichir l’un l’autre dans un respect mutuel.

Le projet artistique, tel le révélateur photographique, met à l’épreuve les valeurs énoncées par l’entreprise comme étant les siennes. Aujourd’hui, l’entreprise souhaite clairement associer l’artiste à sa démarche entrepreneuriale. Or, de tout temps, on a souvent prêté aux artistes la capacité de savoir déchiffrer les tendances à venir. Incompris par leurs contemporains, ils ont su à travers leurs œuvres être des précurseurs à l’instar d’un Kandinsky, d’un Duchamp ou d’un Warhol.

L’artiste en tant qu’éclaireur, défricheur de nouveaux espaces d’expression et de réflexion, devient un marqueur de son époque et un pourvoyeur de sens pour l’entreprise qui a parfois du mal à anticiper les mutations sociales et culturelles autour d’elle (nouvelles solidarités, modes de vie alternatifs, vie collective à repenser, entre autres phénomènes sociologiques) et surtout à les traduire en actions et stratégies. Cela bien évidemment pour assurer sa pérennité et se développer de façon harmonieuse, que ce soit de façon réflexive, en interne, ou de façon dynamique, en relation avec son environnement social et économique.

L’artiste devient un médiateur qui contribue par son regard singulier à mieux déchiffrer l’idéal communautaire en gestation : comment la société se perçoit, se raconte, se rêve et comment l’entreprise peut y trouver sa place.

Déchiffrer son environnement, anticiper ses attentes

L’environnement et la manière dont l’art peut contribuer à une meilleure appréciation et appréhension des enjeux du développement durable, par exemple, peut amener l’entreprise à se tourner vers l’artiste. L’œuvre de Didier Marcel est parcourue par une interrogation de fond, celle de l’intervention de l’homme sur la nature. Sa pratique part d’une mise en abîme, du constat que le naturel est lui-même mis en scène, au point qu’il est devenu presque impossible de démêler le vrai du faux. La RATP lui a ainsi demandé de participer à la réflexion menée autour du projet d’intervention artistique sur la ligne du tramway parisien T3 Est. Comme le souligne Christian Bernard, directeur et fondateur du MAMCO de Genève (Musée d’art moderne et contemporain), « les interventions artistiques sont envisagées comme des points de signalisation, de focalisation et d’illumination, des machines à penser qui accompagnent le voyageur dans son trajet, interrogent son regard, et lui font découvrir la ville autrement.

L’entreprise peut chercher aussi à stimuler sa propre créativité en l’irriguant d’un influx nouveau au contact d’artistes confirmés. Ainsi, Hermès a invité le peintre et sculpteur français Buren , après Josef Albers, à revisiter son célèbre carré de soie. Pour cela, Buren s’est inspiré des photos qu’il réalise depuis les années 1950 (gros plan de fleur, détail de mosaïque, façade de maison, etc.) « Ce sont des objets uniques, comme le sont des tableaux, mais qui, au lieu d’être au mur, sont à porter sur soi », commente D. Buren. Même démarche chez Louis Vuitton qui demande à l’artiste plasticien et sculpteur japonais Takashi Murakami de réinterpréter son monogramme en créant un nouveau motif pour ses articles de maroquinerie « le monogramouflage ». La limite est parfois tenue et avouons-le bien difficile à définir entre pure création et démarche commerciale ciblée…

Le « statement » artistique

Quand, au moment de la présidence française de l’Europe en 2008, le groupe Vranken Pommery Monopole, organise une exposition sur l’art européen en Europe, son président, Paul-François Vranken déclare « Cette manifestation (…) montre que nous sommes moins un vieux continent qu’un ensemble de nations fourmillant de jeunes artistes très vifs et créatifs. Je suis époustouflé par l’énergie de ces 50 artistes qui ont bouleversé le domaine Pommery comme jamais auparavant. Cette nouvelle génération d’artistes est profondément inventive, enthousiaste et douée de surcroît d’une capacité d’adaptation, de mobilité intellectuelle et physique qui me rend joyeux et heureux pour l’avenir ». Il affirme ainsi clairement sa confiance dans l’action de l’artiste en tant que moteur de changement et futur dénicheur ou prescripteur de tendances. L’entreprise n’instrumentalise pas l’artiste, bien au contraire, elle s’inscrit elle-même dans sa logique et en cultive les valeurs en les portant le plus haut possible.

Démarche très volontariste aussi chez les Mécènes du Sud. Cette association créée par des chefs d’entreprises, est ouverte aux entreprises de Marseille et de sa région qui veulent s’investir dans l’art. « Le rôle des artistes est de nous faire sortir du cercle » résume Antoine Viallet de la société Astime, membre du collectif. À sa création en 2003, Mécènes du Sud affichait sa différence dans le paysage du mécénat français : action collective, mutualisation de moyens, délégation du choix des projets à un comité artistique. En sortant des sentiers battus du mécénat, cette association éprouve de nouvelles formes de collaboration entre artistes et entreprises. De leur collaboration est attendue une densification des actions artistiques, un élargissement du public, un attrait pour Marseille et sa région qui sera capitale européenne de la culture en 2013. L’association Mécènes du Sud coordonne pour ses membres l’accueil d’artistes lauréats dans leur entreprise : propositions de résidences, médiation, rencontre avec les salariés, suivi et visibilité. Elle aménage pour les chefs d’entreprises et pour leurs salariés des rencontres avec les artistes lauréats : accueil lors des représentations, mais également ouverture de répétitions, vernissages, visites d’expositions, déjeuner avec les artistes, etc. Chaque année un séjour culturel à l’étranger est proposé aux mécènes : Biennale de Venise, Foire de Berlin, PK192 à Pékin, à Shangaï, Biennale d’Istanbul… Selon Raymond Vidil de la société Marfret, « L’art contemporain nous amène vers des choses moins classiques, et interroge notre métier. J’accumule de l’expérience en accueillant une artiste dans mon entreprise. » affirme-t-il.

L’artiste, un miroir pour l’entreprise

A travers le mécénat d’art, les entreprises cultivent leur image et offrent aux salariés une ouverture originale pour les fédérer autour d’un intérêt commun. Les résidences d’artistes se sont ainsi multipliées depuis quelques années. La démocratisation de l’art a facilité son introduction dans l’entreprise, c’est aujourd’hui un élément du management dans certaines entreprises, des grands groupes mais aussi de plus en plus de PME-PMI. Si le « réflexe » de se constituer des collections ne date pas d’hier, la collaboration entreprises mécènes et artistes n’a pris de l’ampleur et de la profondeur qu’assez récemment. A la fin des années cinquante, quand Alexander Orlow du groupe cigarettier néerlandais Peter Stuyvesant accrochait des œuvres d’art moderne (Appel, Corneille, Santomaso, Morellet, etc…) dans les halls de l’usine à Zevenaar, était-ce pour améliorer l’environnement quotidien des ouvriers en leur permettant un contact avec l’art moderne ou pour stimuler leur productivité en évitant l’ennui causé par un travail routinier et répétitif ? La collection a été dispersée lors d’une vente récente par Sotheby’s et la question a perdu de son actualité.
Plus près de nous, en 2008, Renaud Auguste-Dormeuil (*), artiste plasticien, s’est plongé dans l’univers de la société de conseil Eurogroup, pendant quatre mois dans la tour Vista de Puteaux, siège. Produisant ses œuvres in situ, il a vécu et travaillé au milieu des consultants. Il a partagé leur quotidien, déjeuné avec eux, assisté à leurs réunions et les a même accompagné chez leurs clients. Son rôle ? Déranger, bousculer les routines et les idées reçues. L’artiste a ainsi réuni des paperboards sur une structure métallique et en a fait des manifestes à la fois poétiques et bureaucratiques répondant aux noms d’ «esquisse pour une scène de délocalisation » , « vision stratégique au déclin du jour », « un dimanche après-midi dans un monde en crise ».
(*) A travers la photographie, la vidéo et les installations, Renaud Auguste-Dormeuil explore les nouvelles cartographies et les obsessions sécuritaires. Sous le terme générique de « Réseau MABUSE diffusion », il étudie les systèmes de sécurité des musées dont il constitue des visites guidées et commentées à écouter au casque dans lesquelles il dévoile et décrit le nombre de gardiens, les emplacements extérieurs et intérieurs des caméras, la présence de portes cachées, de faisceaux infra rouge, de systèmes incendie et d’accrochage des œuvres… (Visite guidée à thème : sécurité et patrimoine, Musées des Beaux-arts d’Orléans, Bourges, Tours, Chartres, Musée d’art Moderne de la Ville de Paris, 1998-2001)

Les écoles aussi s’y mettent

Mêmes les écoles adoptent cette démarche. Depuis quelques années, l’espace d’art contemporain d’HEC, soutenu par le Groupe Deutsche Bank France, offre la possibilité à des artistes de travailler en résidence. Cette année, Annick Volle, photographe plasticienne, a le projet de réaliser une série de diptyques (30 à 40) avec comme sujet les membres de la communauté HEC Paris – Elèves, personnel et professeurs. La première image : « La meilleure image de vous-même » (calcul de l’apparence) sera l’occasion d’instaurer un dialogue suivi avec le modèle à la recherche de « son image » et la deuxième « L’image la plus juste, la plus vraie de vous-même » sera une image réfléchie, pensée, profonde, plus intérieure basée sur le dialogue, un axe, une priorité. Ou comment faire réfléchir les élites à leur image pour qu’elles trouvent plus aisément leur place dans la société de demain.

Emmanuelle Serrano

Par Artbis | POINTS DE VUE | 25/10/2010 11h20 | 1 005 vues | 0 commentaire

Bonnes résolutions de rentrée?

A la recherche du sens perdu …

Le temps, c’est de l’argent ? Peut-être. Le temps, c’est surtout du sens…Le sens que l’on donne au travail accompli, quand on a le temps de bien le faire. Le temps est le matériau premier de tout travail de qualité, ce qui nous manque le plus…Le temps est la source majeure de stress et de frustration dans nos sociétés modernes…et nos entreprises !

Le créateur et le manager ont un rapport au temps aux antipodes l’un de l’autre. Le créateur ne peut créer que selon son propre rythme. C’est la condition première de sa créativité, de la valeur de son travail. Le manager subit de plein fouet l’accélération du temps imposée par notre mode de vie contemporain.

Une bonne résolution de rentrée serait peut être de se mettre en projet, de chercher des pistes pour échapper au vertige du temps, responsable de notre malaise. Le vertige du temps, c’est ce temps technologique, accéléré, qui nous compresse, nous oppresse.

Il modifie notre rapport traditionnel au temps. Le temps devient un ennemi contre lequel nous nous battons en permanence plutôt qu’un allié dans la maturation de nos projets. La seule mesure du temps devient l’immédiateté. Le seul rythme l’urgence. Comment planifier, comment s’organiser, comment gérer ses priorités quand tout est urgent ? Comment construire des plans d’action solides, quand il n’y a plus de place pour l’imprévisible, pour l’imprévu ?

Il modifie également notre rapport à l’espace. Les frontières, les fuseaux horaires s’abolissent. La simultanéité, l’ubiquité sont devenus la règle d’une communication planétaire, qui nous éloigne des autres au lieu de nous en rapprocher. Le lien social se désincarne par mails et Blackberry interposés. Le dialogue se codifie, se calibre électroniquement. La synchronisation est devenue l’acte vital, la condition de l’efficacité, de la survie opérationnelle.

Et si ?

Et si nous arrêtions de confondre fluidité et accélération sans fin ?

Et si nous apprenions un peu à mettre des limites à ce zapping chronique ?

Et si nous redevenions un peu maîtres du temps ?

Catherine Woreczek et Catherine Redelsperger

Par Artbis | MANAGEMENT, POINTS DE VUE | 08/09/2010 08h45 | 899 vues | 0 commentaire

Le poids des mots…

Il y a des mots valises, des mots génériques, des mots préfabriqués, que l’on pourrait qualifier de jargon d’entreprise. Chaque entreprise à certes son vocabulaire spécifique propre à son historique et à sa culture. Mais, nombreux sont les concepts, longuement pesés, réfléchis, élaborés en groupes projet, présentés comme la quintessence du projet et des valeurs de l’entreprise, qui sont pourtant des bestsellers du projet d’entreprise, que l’on retrouve inexorablement d’entreprise en entreprise. Des notions, telles le leadership ou l’esprit d’équipe sont, par exemple, accommodées à de nombreuses sauces.

Là où cela devient très intéressant, voire discriminant, c’est quand il s’agit de mettre en pratique ces valeurs énoncées. Elles supposent souvent une posture, une attitude de la part de l’entreprise elle-même et de ses collaborateurs. Où alors, elles sont tellement abstraites et conceptuelles qu’elles manquent totalement d’opérationnalité ! Une valeur d’entreprise ne peut bien sur rester du domaine du vœu pieux. Ce qui va lui conférer son poids, sa crédibilité, c’est bel et bien la valeur d’exemplarité déployée par le management.

Souvent, nous répondons à des briefs de communication institutionnelle ou interne, par une « incarnation », une mise en situation des valeurs sur lesquelles il convient de communiquer. Le projet artistique est, en effet, un moyen fabuleux de mettre de la matière autour de notions conceptuelles. Le créateur contemporain est riche de multiples ressources créatives pour apporter de la vie, du partage, de l’échange au projet d’entreprise.

Parfois, malheureusement, certaines entreprises deviennent frileuses, vivent cette opportunité comme un risque, le risque d’être prises en défaut? Par le projet artistique, les mots deviennent soudain concrets, réels; ils ne sont plus seulement cantonnés aux pages glacées du rapport social. Ils pèsent enfin du poids de leur signification. Ils se chargent de leur sens.

Il est, par contre, des entreprises qui croient tellement en leurs valeurs qu’elles accueillent avec bienveillance la liberté créatrice de l’artiste pour les mettre en mouvement. C’est peut être là la clé: partager des valeurs solidement ancrées dans la culture de l’entreprise; elles constituent alors un formidable point d’appui à l’ouverture, au mouvement, au changement et même au risque!

Dans tous les cas, le créateur contemporain joue un rôle de révélateur chimique ! La réaction au projet artistique est une formidable mesure de la force de conviction qu’une entreprise investit dans son discours Corporate.

Catherine Woreczek

Par Artbis | POINTS DE VUE | 11/05/2010 10h05 | 1 096 vues | 0 commentaire

Tu la veux ma main?

Ecrire, geste ancestral qui a fait de nous une partie de ce que nous sommes devenus, notamment par la trace et la mémoire laissés sur le papier, écrire avec sa main serait-il en train de disparaître de notre monde ?

Notre société nous conduit plus que jamais à nous faciliter la vie et cela, nous savons l’apprécier. L’automatisme de la vie courante nous libère de tout effort. Et les artistes, du moins les plus jeunes, en profitent pour se « technologiser », passant de l’ordinateur et de sa souris, directement à l’œuvre d’art, laissant le soin à leurs « ouvriers » de fabriquer leurs œuvres. Vaste débat, sur lequel je ne prendrai pas partie ici.

Néanmoins, dans cette ascension vers un monde vers plus de paresse, de « tout cuit », de « j’appuie sur un bouton et ça marche », il reste encore quelques rares créateurs, qui forcent mon admiration artistique : les graveurs.

Depuis la fin du 15^ème siècle avec notamment le célèbre Albrecht Dürer et bien d’autres encore, moins reconnus, quelques siècles auparavant, la technique de la gravure a été attaquée de toute part : tout d’abord, par la lithographie et ses dérives quantitatives néfastes pour le marché de l’art, plus récemment par l’impression quadrichromique, qui sème le doute chez certains, peu connaisseurs, puis ces dernières années par les techniques remarquables du jet d’encre. La gravure a du souci à se faire. Et pourtant elle est toujours là.

Une discipline à part entière:

Devant certains de nos clients, face aux gravures contemporaines de collection installées sur leurs murs, souvent sans vitre, à même la « peau », qu’elle n’est pas notre joie de discuter autour de la matière, des volumes, des couleurs vives et de l’histoire de ces bas-reliefs! On a envie de les toucher, presque de les goûter, et de se perdre dans leurs dédales de sillons, de couleurs et de lumières. L’apport de papiers extraordinaires nous donne encore l’illusion d’une profonde proximité avec un élément naturel, écologique.

Gravures de Lionel chez Marsh
“Mozart” et “Rimbaud”

Qu’avez-vous fait de l’homme ?

Tout ce travail, toute cette maîtrise technique ne se sont pas faits touts seuls. L’artiste, aux talents de sculpteur, de dessinateur et d’artisan à la fois, a mis parfois des heures à tailler et creuser au burin sa plaque, à respirer des acides attaquant le cuivre, à tester sa presse à la force de ses bras, pour que son subtil encrage permette le résultat désiré. Combien de feuilles a-t-il fallu détruire pour arriver à finaliser une série d’une trentaine de pièces maximum , chiffre fatidique à partir duquel, l’outil décide d’arrêter là.

BIMICH

L’expression taille-douce désigne le procédé d’impression des gravures sur cuivre, zinc ou acier.
Le métal est gravé directement avec un outil (burin, pointe sèche…) ou à l’acide (eau-forte, aquatinte). La plaque gravée est encrée puis essuyée afin de ne laisser l’encre que dans les tailles (creux laissés dans le métal par l’outil). Les épreuves sont ensuite imprimées en posant une feuille de papier humide sur la plaque, elle-même positionnée sur une presse ; la pression entraîne le report de l’encre sur le papier. Un nouvel encrage est nécessaire pour chaque épreuve.

C’est cet homme que j’admire, car il continue inlassablement son travail, dans le respect de codes traditionnels historiques, mais aussi avec la modernité de son style. Il met la main à la pâte, laissant pour notre plaisir, entrevoir la force et la fragilité de son art, la finesse et la précision de ses traits, la présence et luminosité de ses couleurs. Sans bruit, laissons nous transporter un instant dans les profondeurs de sa planche.